Lo que la noche le cuenta al día llega a Proa al final del verano, cuando comienza a sentirse en la Boca el comienzo del otoño; un otoño con lluvias torrenciales y, por momentos, violentas. Los 22 artistas argentinos consagrados en la escena local e internacional que participan en la muestra, se cuestionan los claroscuros de nuestra contemporaneidad donde los mitos, tradiciones, idiosincrasias, lenguas y lenguajes heredados de la Europa ‘anhelada’ se entrelazan con lo latinoamericano y se traducen en ciertas violencias que nos alcanzan como sociedad. (Como estas lluvias de este otoño).

La génesis de la muestra fue antes de la pandemia cuando, desde Milán, llegó la invitación a participar de este programa del Padiglione d’Arte Contemporanea (PAC). Un programa internacional en el que invitan a distintos países a mostrar, a través del arte, las escenas y problemáticas locales. “Se trató de un trabajo en colaboración”, explicó Andrés Duprat, curador y responsable de la selección de los artistas. “No es fácil hacer un recorte, sobre todo teniendo en cuenta la gran calidad de nuestros artistas, pero elegimos, con Diego Sileo, transitar por obras de aquellos que conllevan una crítica política y social, muchas veces hechas con humor.” La muestra realizada en Milán contó con el apoyo de Fundación Proa por lo que pensaron en exhibirla también en la Boca para el público argentino. “No es una muestra itinerante”, aclaró Adriana Rosemberg, alma mater de Proa. “Reúne los mismos artistas bajo una única co-curaduría pero, en muchos casos, con distintas obras.”

La sala 1 funciona como el prólogo de la exhibición. Lo primero que ve el visitante al ingresar a la sala es el “Cristo” de León Ferrari, de 1975, una obra que marcó el comienzo del arte político en nuestro país. El diminuto hombre con hacha de Liliana Porter hace de las suyas en una gran instalación en el centro del espacio. Sobre una de las paredes laterales se despliega la documentación de una performance escandalosa e irreverente de Alberto Greco realizada en Roma en el 62 y por lo que fue expulsado del país mediterráneo. Los tajos  de Lucio Fontana -el artista  más disputado ya que en Italia es considerado italiano y para nosotros es argentino-, también propone una sutil metáfora de violencia.

Realizada en 1965, en el contexto de la guerra de Vietnam, La civilización occidental y cristiana de León Ferrari plantea una combinación tan insólita como eficaz: el montaje de un Cristo de santería crucificado sobre la maqueta de un bombardero estadounidense. Esta pieza icónica de la producción del artista se pregunta por la hegemonía de una cosmovisión sobre otra, en un ejercicio que refleja la intolerancia y el autoritarismo.

La instalación de Liliana Porter, Trabajos forzados, esconde una tragedia que se desarrolla silenciosamente. Presenta también dos fotografías de carácter experimental tomadas en 1973, Sin título (Camnitzer-Porter) y Sin título (self portrait)

Piezas que integran la célebre serie de Lucio Fontana, en los que se aprecia ese gesto osado y disruptivo característico de sus obras más emblemáticas, en las que, mediante la acción de agujerar y tajear la superficie de la tela, buscaba romper con la bidimensionalidad de la pintura.

Greco llevó a cabo en Roma, durante 1963, la performance experimental Cristo 63, junto con los artistas italianos Carmelo Bene y Giuseppe Lenti, de esta experiencia radical solo han quedado una serie de fotografías documentales,

Cristo 63 provocó que lo echaran de Italia

Albertus Grecus XXIII, en la que se traviste en monja.

El centro de la sala 2, una gran caja de madera calada sugiere un gran confesionario pero “es una confesión en sí misma” aclara Jorge Macchi, autor de Shiping; realizada con una caja de envío de obras al exterior, sugiere las dificultades que implica exponer fuera del país. La estrategia de la ameba, la segunda obra que presenta, consiste en una maleta que se desplaza de manera autónoma por toda la planta baja de Proa con un mecanismo de acción y reacción y, para el artista, "es el espectador ideal que crea nuevas relaciones".  
Eduardo Basualdo en Italia presentó una instalación similar a la que está exhibida en el Moderno y, en Proa, presenta dos obras realizadas con vidrio; la apenas visible silueta de una paloma estrellada en uno de ellos, habla de la fragilidad de los límites. Un espejo que no refleja, de Leandro Erlich, en el que está apoyado un escobillón denuncia la precariedad laboral de nuestra sociedad. Una gran señalización de Nicolás Robbio marca las tensiones e incoherencias de ciertas políticas que vivimos a diario. Mariana Bellotto presenta el video de una performance realizada en pandemia, que habla de la asfixia, la falta de aire y que provocó gran conmoción en Italia. Dos grandes piezas dibujadas con carbón de Ana Gallardo, donde el negro opaco intensifica su carácter fúnebre, completan la puesta.

Jorge Macchi toma objetos de contextos cotidianos para situarlos en lugares que les son ajenos, una operación sencilla que perturba los sentidos y genera una sensación de alienación abriéndose a múltiples significados.

La estrategia de la ameba, de Jorge Macchi,es según Duprat "la obra más molesta de la exhibición".

Pasaje, de Eduardo Basualdo, realiza una impresión transparente del cuerpo de un pájaro sobre el cristal de una ventana, remitiendo a las marcas que accidentalmente dejan las aves cuando se estrellan contra las ventanas cerradas.

Brooms (2015) es una estructura formada por dos escobas idénticas apoyadas entre sí que crean en quien contempla la ilusión de la existencia de un espejo

Videoperformance de Mariana Belloto, Trilogía pandémica, revela un universo degradado y contaminado en el que las prácticas y las medidas de protección han tomado un lugar tan relevante como absurdo.

“Dibujos textuales II” de Ana Gallardo, de 2018, en los que transcribe breves declaraciones de mujeres guatemaltecas que describen el miedo y sufrimiento que experimentaron durante la insurrección del país. Los escritos con carbonilla en capas superpuestas, relatan la crueldad contra los cuerpos.

En la sala 3, Matías Duville presenta -en mesas de exhibición- el registro fotográfico de su proyecto para “construir una ruina desde el inicio”: una casa desensamblada que sugiere la lógica de nuestro paisaje pampeano donde los muros descasan sobre el terreno al  lado de la laguna de Gómez en Junín; un escenario que cambia según la época del año, donde las sequías y las lluvias modifican el paisaje. Las fotografías de Alessandra Sanguinetti muestran otra mirada sobre el campo, no ya el bucólico paisaje, sino la violencia rural con sus animales. Cristina Piffer “imprime” con sangre seca sus billetes. Un polvo volátil que se desprende y cae al pie de la obra; todo un símbolo de nuestro tiempo. Miguel Rothschild expande sus edificaciones apropiándose del espacio. Villar Rojas despliega su proyecto de manera transversal al orden crononormativo: Su metodología está en estrecho vínculo con su vida nómada y la posibilidad de colectivizar el hacer, explorando en estadías prolongadas junto a su grupo de colaboradores las potencialidades de una experiencia, ante todo, territorial y humana. De ese tiempo inmersivo, irrecuperable en su complejidad, quedará un testimonio material, siempre precario e insuficiente: la exposición.
Adriana Bustos, a través de una simple operación de montaje, presenta 2 videos, uno del documental Olympia, realizado en 1938, de apertura de los Juegos Olímpicos en la Alemania de 1936 con Adolf Hitler y, en paralelo, la inauguración del mundial de fútbol de Argentina en 1978 con Videla. Son 13’ de video que muestran una idéntica política fascista de propaganda y la increíble similitud de sus estructuras formales y estéticas. Graciela Sacco, la querida artista rosarina, cierra este núcleo con un espacio empapelado con los “gritos” de sus Bocanadas que refieren a los problemas del hambre y la hambruna: son las bocas silentes de los marginados, los inmigrantes, los caídos del sistema. Los que han perdido su voz.

Bocanada es una serie compuesta por diversas obras que Graciela Sacco comenzó a realizar en 1993, en la que se vale de fotografías que muestran primeros planos de bocas abiertas de par en par. Empleando la temprana técnica de la heliografía, la artista reproduce estas imágenes en una variedad de medios que van desde instalaciones hasta intervenciones urbanas en distintas ciudades.

Hogar es el tercer libro de Matias Duville que refleja un proyecto específico realizado en la pampa argentina en el marco de la Beca Guggenheim. Reúne una serie de fotografías tomadas por el artista en las que documenta la metamorfosis de su intervención, una casa desplegada en el campo

Alessandra Sanguinetti retrata la realidad de la vida del campo en una serie de fotografías tomadas en la Argentina, titulada "En el Sexto día", en alusión al día en que Dios creó al hombre, según el relato del libro del Génesis.

Poderosas imágenes de animales domesticados en su intrincada relación con el ser humano de Alessandra Sanguinetti

Sangre en polvo es el material que utiliza Cristina Piffer en las impresiones serigráficas de la serie “Las marcas del dinero” reproducen la iconografía del papel moneda emitido por el Banco de la Provincia de Buenos Aires en la segunda mitad del siglo XIX.

Como un entramado, Rothschild cruza tópicos universales a través de diferentes formatos como la fotografía, el video, la instalación, la pintura y el collage.

Ceremonia nacional, de Adriana Bustos, se compone de dos proyecciones yuxtapuestas comparadas. Por un lado, un fragmento del documental Olympia dirigido por Leni Riefensthal en 1938, en el que se proyectan los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936. A su lado, se exhibe un fragmento de la ceremonia inaugural del mundial de fútbol de 1978, en plena dictadura cívico-militar del autodenominado Proceso de Reorganización Nacional que gobernó la Argentina entre 1976 y 1983.

En la última sala del primer piso una serie de fotografías realizadas en 1993 por Alejandro Kuropatwa, registran la performance de Liliana Maresca desnuda en la revista El libertino: "Maresca se entrega, todo destino". Y al lado, 304 5457, su número de teléfono. Mariela Scafati juega con el color; dos piezas construidas con tela y bastidores de colores terrosos que, organizados en el espacio, forman una figura parecida a un cuerpo humano. Ambas ponen el cuerpo, de distinta manera.
Mientras Tomás Saraceno, en su película habla del aire, Juan Sorrentino lo mueve con las inquietantes vibraciones de su instalación sonora.

La foto performance creada por Liliana Maresca, publicada en el número ocho de la revista mensual El Libertino del 8 de octubre de 1993, es una secuencia de 14 imágenes en blanco y negro, realizadas por Alex Kuropatwa, que retratan a la artista en poses provocativas

Maresca eligió una revista mensual con historias eróticas para crear y publicar su performance fotográfica en un intento de romper con las fronteras de las obras individuales, superar los límites temporales de una exposición e incrementar el alcance de la circulación y comunicación con el público.

Mariela Scafati propone diferentes modos de percibir su obra, abstracta sólo en apariencia. Las pinturas y el color escogido refieren casi siempre a posiciones sociopolíticas en disputa, como los derechos de las disidencias y de la comunidad LGBTQI+.

Vuela con Pacha, hacia el Aeroceno es una película colaborativa que explora el proyecto llevado amcabo por Tomás Saraceno y las comunidades locales en Salinas Grandes, Jujuy, donde realizó el primer vuelo tripulado impulsado solo por el sol y el aire, en pos de imaginar una era libre de combustibles fósiles.

Juan Sorrentino. presenta Cuerpo, sangre y hueso, de 2020. Una instalación que consiste en dos cubos de vidrio con dispositivos sonoros y una serie de mecanismos electrónicos que mueven troncos quemados y generan secuencias cinéticas, marcas en el muro, residuos accidentales y ruidos aleatorios.

Una obra poco conocida cierra la muestra: La Cabalgata de Marta Minujín quién durante la emisión de un programa del Canal 7, La Campana de cristal, llevó fisicoculturistas que explotaban globos, caballos con latas de pintura atadas a sus colas y pollos que corrían por el estudio ante el estupor y horror del presentador del programa y el público. Esta fue la primera performance que se trasmitió en vivo y en directo en 1962 y de la que sólo queda el registro fotográfico. 8 minutos de gloria de la artista hasta que fuera echada del programa.

Realizada en 1964, esta obra en video marcó el inicio de la interacción de Marta Minujín con los medios de comunicación.

La cabalgata registra un performance realizada por la artista cuando fue invitada en La campana de cristal, un programa de Canal 7 que entonces alcanzaba récords de audiencia.

Fisicoculturistas explotaban globos y unían a dos músicos con cinta adhesiva. En la foto Pablo Suárez en plena acción.

Caballos con cubos de pintura atados a las colas se mezclaban con el público

Unos 500 pollos corrían por el estudio. Delirio total.

Lo que la noche le cuenta al día, como el célebre libro de Héctor Bianciotti, describe en esta exhibición, a través de las miradas de 22 artistas, nuestra idiosincrasia y episodios de nuestra historia torrencial y, por momentos, violenta.

¡Imperdible!
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Artistas que participan:
Eduardo Basualdo, Mariana Bellotto, Adriana Bustos, Matías Duville, Leandro Erlich, León Ferrari, Lucio Fontana, Ana Gallardo, Alberto Greco, Jorge Macchi, Liliana Maresca, Marta Minujín, Cristina Piffer, Liliana Porter, Nicolás Robbio, Miguel Rothschild, Graciela Sacco, Alessandra Sanguinetti, Tomás Saraceno, Mariela Scafati, Juan Sorrentino y Adrián Villar Rojas.
La exposición se complementa con un extenso programa de actividades organizadas por el Departamento de Educación para profundizar en las temáticas de las obras y sus alcances en el arte contemporáneo. Cuenta con la colaboración y el auspicio de Tenaris en Italia y Argentina, y la empresa Ternium.
Visitas Guiadas
Público General: Miércoles a domingos, 15 y 17h
Toda la información en www.proa.org