Art Box,coproducción de Arte Online y artistas argentinos estará nuevamente presente en la próxima edición de Baphoto. Una vez más la propuesta que dirige Marcela Costa Peuser se convierte en "la manera más accesible de coleccionar" y abre la posibilidad de adquirir obra de artistas seleccionados por su trayectoria.

Esta vez serán las Art Box de Raquel Bigio, Mirta Gendín, Zulema Maza, Matilde Marin, Teresa Pereda, Paula Toto Blake e Inés White, los objetos de deseo de los coleccionistas que visitarán estos días la Feria. Baphoto se suma a la agenda internacional de Art Basel Cities y será una cita obligada para los amantes del arte que visiten Buenos Aires.

En este recorrido, te proponemos conocer un poco más a las artistas y ver algunas imágenes de sus obras inéditas, especialmente concebidas para Art Box.

RAQUEL BIGIO

Por Jorge López Anaya

Desde sus primeros trabajos descubrió con el objetivo fotográfico imágenes que remitían a la tradición pictórica. Según sus propias palabras, “pintaba con la cámara”.A partir de estas experiencias, su criterio fotográfico será esencialmente heterodoxo; en sus obras no aparece la figura humana o solo aparece ligado a la arquitectura. Esa abstracción, a partir de sus“modelos”arquitectónicos adquirió un talante reduccionista, abstracto, casi minimalista en algunos casos.

Para Bigio el médium fotográfico está al servicio de la construcción de“verdaderas-falsas”arquitecturas, de “verdadero-falsos” espacios urbanos. No se inclina ni por el pictorialismo ni por la fotografía-pintura ni por la foto-instalación, aunque tome algunos rasgos de estas dos hibridaciones.

La obra de Bigio es fundamentalmente ajena a la componente nostálgica de la fotografía. Está muy lejos del misterio, de la mortalidad y de la caducidad. Más exactamente, el procedimiento es sintáctico y la fotografía se cualifica por las modificaciones introducidas en el código de reconocimiento del referente. En su mayor parte, estas obras se inclinan a una operación "pos fotográfica", consistente en una combinatoria que permite a Bigio obtener una serie abierta de resultados.

Sobre la artista:

Raquel Bigio. Licenciada y Profesora Universitaria en Artes Visuales. Fotógrafa y Artista Visual. Docente desde 1981 e Investigadora.

En 1991 fue invitada a Arles, Francia, a dictar un taller en los Encuentros Internacionales de la Fotografía. De 1994 al 2000 fue Curadora de Fotografía del Centro Cultural Recoleta. En 1999 fue seleccionada para participar en el Seminario Internacional "Museología, Diseño, Gestión y Planificación de Eventos en Arte Contemporáneo" organizado por el Fondo Nacional de las Artes, la Fundación PROA y el Guggenheim Museum.

Participa como Jurado en instituciones privadas y oficiales. Ha realizado numerosas muestras individuales y colectivas en museos y galerías de arte en el país y en el exterior. Recibió varias distinciones, entre ellas, Tercer Premio y Mención de Honor en la Primera Bienal Internacional de Arte Fotográfico en San Pablo, Brasil 1983. Premio KONEX 1992 y el Primer Premio Salón Nacional de Artes.

MIRTA GENDIN

Por Marcela Costa Peuser

Real I Real. Dos opuestos que, como tales, se atraen indefectiblemente. Podemos decir que uno no puede existir sin el otro. Como el bien y el mal. Como la luz y la sombra. El uno se completa con el otro.

Mirta Gendín es artista visual y para ella la fotografía es el medio que utiliza para expresarse. Fotografía que ocupa -para nosotros, sujetos del siglo XXI inmersos en la era de la imagen-, un lugar relevante dentro del arte contemporáneo. Mirta se siente atraída por una imagen, la capta, la procesa y la traslada al soporte, ahora convertida en imagen-obra tamizada por su propia esencia. Una imagen imaginada por la artista. Un cambio sutil pero en el que percibimos esa pequeñísima diferencia que “revela” al artista.

Muchas de sus obras se acercan a las imágenes generadas por nuestra mente, casi visiones fantásticas o sueños que mantienen una conexión –mas fuerte o mas débil- con las imágenes perceptivas. Es por esto seguramente que actúan como un imán y nos trasladan de un mundo Real a otro I Real y viceversa. Allí está su magia.

Los temas de Mirta Gendín son las estructurasy la naturaleza. Pocas veces el hombre. Tal vez porque su intensión es que el hombre interactúe con esta naturaleza por ella creada. En sus últimos trabajos investiga con distintos soportes – acero, espejos y chapa de aluminio- que la ayudan en su propósito, no siempre consciente. También comenzó a intervenir sutilmente la imagen. Des satura o realza colores para acentuar una sensación. Incluso trabaja con dos imágenes superpuestas provocando una inquietante Realidad I Real. La atracción de los opuestos.

Sobre la artista:

Mirta Gendín. Artista visual. Vive y trabaja en Buenos Aires para ella la fotografía es el medio que utiliza para expresarse. Fotografía que ocupa -para nosotros, sujetos del siglo XXI inmersos en la era de la imagen-, un lugar relevante dentro del arte contemporáneo.

Estudió Fotografía con Ángela Copello y Arte Contemporáneo y Conceptual :  Fabiana Barreda, V.González , R. Alonso, M. Jacobi , Julio Sánchez , Guadalupe Neves, Photoshop con Lisa Giménez, Cristian Bordes, Alejandro Calderone y Clínica de obra con Laura Messing, Fabiana Barreda y Carla Rey.

Desde 2014 participa en exposiciones y Ferias nacionales e internacionales con sus obras y libros de artista por las que ha recibido  numerosas distinciones y, en 2017, fue seleccionada en el Salón Nacional.

MATILDE MARIN

El Arte como palabra

Por Pilar Altilio

El mecanismo de percepción que lleva a Matilde Marín a encontrar, una y otra vez, la palabra ARTE en sus viajes, comienza por un cartel de caligrafía cuasi manual fotografiado en 1998 en el Centre Pompidou de París. Se trata, nada menos, de aquel que sostiene “La vérité changera l’Art”. Da inicio a una serie aún abierta, captados por su cámara, que se presentan en forma casual, aleatoria y fortuita, confirmando el uso extendido en múltiples contextos de la palabra ARTE, verificada en sus recorridos.  

A aquel primero, que asociaba la verdad como impulsora de un cambio en un sistema que se identifica con mayúscula, le siguieron muchos otros que fueron visualizados no necesariamente dentro de un centro cultural, sino en la calle, en los anuncios, como nominando un café, en la patente de un auto de la década del 40 típicos de Cuba, en la T-shirt de una chica en plena performance o como grafitti en un arco de inspiración clásica en Roma.

¿Qué hace que Matilde Marín despliegue esta serie de capturas fotográficas donde el sentido de la palabra arte nos permite contextualizar unos significados? Sus propias preguntas, sus inquietudes en la posibilidad de cada viaje que conllevan siempre la idea de comparación con otros sistemas, en lo que tienen en común y en lo que se singularizan. Esto, más la impronta de la búsqueda que va surgiendo como potente y significativa en su percepción como artista contemporánea. Se puede rastrear en su producción las series de faros, la del humo, la de las crisis y los modos de supervivencia, comunes a múltiples sistemas en países muy diferentes entre sí. Pero esa capacidad que Matilde ejecuta con evidencia crítica, o lo que es lo mismo: observar estéticamente una realidad que “está ahí” delante, nos hace testigos de una serie de dispositivos comunes dentro de las diferencias, algo que regresa al concepto que citamos de Beuys, la mirada que transforma la acción en obra de arte, a la vez efímera como todas estas tomas, pero que indican claramente un impulso para reflexionar donde todos tenemos alguna capacidad creativa que transforma nuestro hacer en algo hecho con arte.

Sobre la artista:

Matilde Marín.Artista con trayectoria internacional, cursó estudios en Buenos Aires y Zürich, Suiza. Su producción actual está focalizada en el rol del artista como“testigo”, registrando a través de la fotografía y el video, relatos sobre el mundo que habitamos. Bricolage Contemporáneo (2002-2005) proyecto presentado en el MALBA de Buenos Aires, muestra la recolección urbana a través de registros fotográficos realizados en Latinoamérica.

Participa de Bienales Internacionales: 2017 Karachi Biennale Trust, Paquistán. 2016 Bienal Internacional de Arte SIART, La Paz Bolivia. 2015 XII Bienal de La Habana y XX Bienal de Curitiba, Brasil. Premio “Bienal de Puerto Rico” y “Bienal de Cuenca”, Ecuador. Últimos proyectos (2017) “Arqueóloga de sí misma”, Fundación Osde. (2012) “Cuando Divise el Humo Azul de Ítaca”, Centro Experimental del Teatro Colon, Buenos Aires. (2011) “Recorrido y visibilización de un archivo”, Museo Reina Sofía, Madrid. “Realidad y Utopía”, Museo Nacional de San Carlos, Mexico DF. “Arte Argentino Actual MALBA”, Buenos Aires, Argentina. (2010) “Argentina’s Artistic Road to the Present”, Akademie der Künste, Berlin.Colecciones: MALBA, Buenos Aires, Argentina. Bronx Museum of the Art, New York. Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Madrid, España.

ZULEMA MAZA

Serie Abanicos

por Pilar Altilio

Hay una tendencia presente en la obra de Zulema Maza desde hace años. La figura femenina encarna en sus series, tanto fotográficas como de técnicas mixtas, una evidente sensibilidad para captar los roles de las mujeres, cambiantes en el transcurso del tiempo como en relación a contextos específicos. Aquí en Abanico la sugerencia de lo femenino apenas se describe mediante un cuerpo fragmentado casi saliendo del cuadro, para dar lugar al protagonismo del objeto que se desprende del uso para lograr una autonomía que, a la vez, representa una metáfora visual, como otra particularidad de su mirada de artista.

Objetos que son comunes, encontrados en sus formas más industriales en series que no los hacen portadores en sí mismos de una historia, sino una parte del vínculo que une lo femenino, la naturaleza y los objetos de uso. Es un punto clave que definió alguna vez con mucha justeza la teórica Rosa María Ravera en relación a su producción, como “el atisbo de otra dimensión impalpable pero certera” que conjuga esos elementos de una manera especial, dotada de una perceptible belleza visual.

Cuando trabaja el color en su obra, éste tiende a ser otro importante elemento compositivo. En este caso como en su reciente serieAmazonas, produce un efecto que involucra al tiempo, expresado en una bruma especial, como evocativa de una serie de sensaciones ubicadas en un contexto donde el arriba y el abajo se desmarcan intercambiándose. El fluido del agua en un caso y la movilidad de las nubes en otro, contrapuestas con la fijeza de un plano negro bien opaco. ¿Acaso representan algo más que el propio movimiento de agitar levemente el aire, como es la funcionalidad característica del objeto en cuestión? Es esto mismo, tal vez, lo que constituye su mayor acierto.

Sobre la artista:

Zulema Maza. Reside en Buenos Aires y en Paris. Artista multimedia, en la década del 80 integra el Grupo 6 de grabado experimental. En sus obras emplea la fotografía, las instalaciones y el video. Trabaja sobre la temática femenina.

Participa en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Alemania, Francia, España, Italia, Venezuela, Brasil, Chile, China.  En el Museo Nacional de Bellas Artes de Bs As, Museo Castagnino de Rosario, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, Museo Sofia Imbert de Caracas, entre otros.

Recibió más de 20 premios: Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado, 2005; Primer Premio Municipal de Grabado Manuel Belgrano, 1993; Primer Premio de Honor Trienal de El Cairo, 2006. Recibe dos diplomas Konex en la década 1982-1992 y en la década 1992-2002; 1º Premio Miró, Fundación Llorens Artigas, Barcelona, España.

TERESA PEREDA + MICHEL RIEHL

Por Pilar Altilio

Hay en ambos artistas una mirada enfocada en los detalles que los reúne claramente en esta serie denominada Cruces.Se trata de hacer dialogar en dípticos, una manera de producir y un registro fotográfico que ambos advirtieron eran convergentes, en producciones conectadas plenamente. Las formas en que el medio natural imprime huellas sobre diversas superficies, generando configuraciones: momentos de convergencia, punteados de agua donde descansan partículas muy livianas, barridos que arrastran componentes apenas más pesados que el líquido, tenues contrastes o tensiones entre opuestos.

Michel Riehl capta de forma increíble las texturas de la naturaleza como fotógrafo de profesión y con total pericia narra esas calidades táctiles en la imagen conseguida por captura de una cámara. Junto a los procesos que Teresa Pereda enfoca, dejando rastros en los papeles de distintos tamaños, en series que atraviesan su búsqueda personal como artista que viene de la tierra, que se reconoce en ella y que ha caminado los kilómetros de Sudamérica para dejar evidencia de las diferencias de base que las colorean. Desde el pardo más claro, pasando por el terracota más vibrante, al negro humus más oscuro en los colores de la tierra de Pereda. Con las transparencias más acuosas o los escurrimientos por arrastre de un río visto desde arriba en Riehl. A lo largo de los años, ambos se enfocaron en tomar esas huellas y clasificarlas, pero en el trato con el material hay una interesante cuestión que pasa por el respeto a esos componentes milenarios, interesantes, valiosos, conformados por el tiempo sin tiempo que hace que el suelo tenga los vestigios de aquello que lo compone.

Sobre las artistas:

Teresa Pereda.(Buenos Aires, Argentina. 1956).  Artista visual. Licenciada en Historia de las Artes, UBA. Investigadora y curadora especializada en etnografía indígena sudamericana en el marco de procesos de mestizaje y reetnización.

En la década de 1990 profundiza su poética, centrándose en el vínculo hombre-tierra.

Sus obras integran colecciones nacionales y extrangeras.(Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Castagnino - Macro, Museo Caraffa, Jack S. Blanton Museum of Art, Austin, USA; Collection of Latin American Art, Essex, UK; Space Collection, Irvin, USA.  

Michel Riehl. Nacido en Friburgo (Alemania). Vive en Sucy-en-Brie, región parisina, Francia..Entre1977 y 1978realizó estudios de perfeccionamiento en los laboratorios de fotografía de las Fuerzas aéreas de laArmada Francesa, Rochefort. Y, entre1978 y 1999,Centro de archivos CEPA (Etablissement Cinéma et Photos des Armées) Ivry sur Seine, Gran Paris. Reportajes fotográficos : Tchad (1986),  Guerra del Golfo (Arabia Saudita, Irak, Kuwait, 1991), Camboya (1992).

Premios: “Les meilleures photos de l’année” Primer Premio: 2011, 2015 y 2016.

Exposiciones individuales:“Humus. La piel no calla”en colaboración con Teresa Pereda. This is not a gallery, Buenos Aires, 2009;“Miradas Nómades” Fundación Klemm, Buenos Aires en colaboración con los artistas Nicolás Ferrando y Sergio Guerrero, 2010; ”Les écritures photographiques”, Maison des Arts de la ville d’Antony, Gran Paris, 2011; « Couleurs d’Islande », Museo de l’Orangerie du Château de Sucy-en-Brie, Gran Paris, 2013.

Fotografías para los libros :« Sentinelles de pierre » Somogy éditions d’art, Paris, 1996 ;“Platería de las Pampas” Ediciones Larivière, Buenos Aires en colaboración con Fernando Javier Urquijo, 2008; “Teresa Pereda. Tierra”El Ateneo, Buenos Aires.2008;“Arte de las Pampas en el siglo XIX”, Ediciones Larivière, Buenos Aires en colaboración con Fernando Javier Urquijo, 2010;“Book Prestige” papiers Hahnemühle, Paris, 2011.

PAULA TOTO BLAKE

“La casa como amenaza"

por Leticia Mello

La casa, nuestro más íntimo espacio de resguardo ante la fragilidad, aquel sitio donde se tiene cobijo y reparo de lo hostil, lo externo, lo ajeno. Esa primera propiedad habitable a la cual uno se ve subordinado buscando reposo sistemático, se transforma, se altera y modifica .Ya no contiene memorias, sino residuos. Una corporalidad que funciona como una prótesis en sustitución de aquel mobiliario que alguna vez lo habitó y constituyó como lo doméstico.

La casa como amenaza es una Serie de fotografías realizadas entre los años 2006 y 2008 siendo el producto de una investigación en el Sculpture Space de Nueva York, en ellas, Paula Toto Blake construye un imaginario rodeado de ígneas habitaciones y eternos jardines de nieve. Las piezas presentan mobiliarios alterados y vacuos de su función utilitaria inicial. Representan un cambio en los órdenes de vida modificando la percepción del cotidiano. En el caso de los sillones, una segunda piel creada por la naturaleza es quien transforma el objeto, y en el de sillas, la violencia del accionar humano.

Si en palabras de G.Bachelard la casa es un cuerpo de imágenes que dan al hombre razones o ilusiones de estabilidad, es esa misma casa la que se torna siniestra al producirse el vaciamiento de su principal habitus, la protección.

Sobre la artista:

Paula Toto Blake. Licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata y completa sus estudios con Eduardo Medici, Sergio Bazan, Gumier Maier, Mónica Girón, Jorge Lopez Anaya y Alan Pauls. Fotografías intervenidas, instalaciones, videos, objetos y hasta una línea de joyas inspiradas en sus obras, integran el corpus de trabajos de la artista, siempre siguiendo el hilo conductor de lo que marca su sensibilidad respecto al entorno social que la rodea y sus experiencias personales. Su trabajo también se vincula con las zonas marginales donde la gente habita en condiciones de vulnerabilidad, trabajando en un equipo docente de arte y el diseño. Expuso en espacios tales como el Centro

Cultural Recoleta (Argentina), Galería GC Arte (S.P Arte, Brasil), Galería Sicart (España), Museo Fine Arts Houston (USA), Centro Cultural Bruno Munari (Italia). Se destacan las becas recibidas a nivel internacional: National Endowmen for the Arts, Beca Artist in Residency Program Sculpture Space, New York (2006), Programa Intercampos II, Fundacion Telefonica, Bs As (2006), Convocatoria “Focal Point, Arte Contemporáneo de la Universidad de Bologna (2006), Residencia artística en ARTELEKU, Centro de Arte

Contemporáneo, San Sebastián, España (2004). Subsidio a la Creación Artística Fundación Antorchas, 2003.

INES WHITE

Por Camila Juárez

Esta serie de fotografías de Inés White destacan por su estridente universo sensorial, como una matriz extremada que logra activar la realidad, en reapropiación permanente. Si la captura evidencia el centro de una perspectiva, la apropiación de esta fotógrafa pone en evidencia la imaginación radical de la luz, esa interferencia que tramita el sentido del tiempo en el espacio de los sentidos. En la trama multidimensional que nos atraviesa, el encuadre sujeta entonces en su marco la vida del tiempo, como una experiencia afectiva del movimiento, de la textura y sus matices, cuya posición es transformar el ojo y atravesar su pliegue. Las imágenes atrapan así el balanceo de estos recorridos adosados al silencio de un paisaje que es para sentir. Según el compositor John Cage, el zen enseña que“estamos descentrados… lo que está en el centro es cada cosa”es decir que existe una“pluralidad de centros, una multiplicidad de centros. Y todos se interpenetran”.Las cuatro imágenes exhibidas deciden una geografía que descubre y engendra, a la vez, nuevas construcciones sensibles abriéndose paso en un choque de simetrías trastornadas. Se trata, en síntesis, de la feliz aventura del material, como el principio táctil y constructivo del vacío.

Sobre la artista:

Inés White.(Buenos Aires, Argentina) Estudia en la Escuela de Fotografía de Andy Goldstein y más tarde en la Escuela del fotógrafo Diego Ortiz Mugica. Desde el año 2006 es artista de la Galería Rubbers Internacional. Sus obras integran colecciones particulares. Participa desde 2016 en Buenos Aires Photo y Pinta Miami.

Sobre Arte Online

Arte Online es una plataforma en Internet que, desde hace 10 años, se dedica a la difusión del arte argentino contemporáneo. A través de entrevistas y reseñas, a artistas, coleccionistas y gestores culturales brinda un claro panorama del escenario de las artes plásticas en nuestro país y acerca la obra de sus artistas consagrados y emergentes.

Desde 2017 presenta, en ferias nacionales y del exterior, ArtBox una coproducción con artistas argentinos seleccionados pensada y producida para su venta online.

Los esperamos en BAphoto 2018!

Del 7 al 9 de septiembre en La Rural, Buenos Aires, Argentina

Directora

Marcela Costa Peuser
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