El festival está organizado por la Fundación Luz Austral con el auspicio del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y ha sido aprobado por la Ley de Mecenazgo de ese Ministerio. También está patrocinado por las Secretarías de Cultura de Neuquén, Salta y San Juan.
 Este año, cuando celebra su 25º aniversario, se presentarán 178 muestras de más de 500 autores provenientes de 31 países en 45 ciudades.

El Festival de la Luz es un inmenso conjunto de actividades relacionadas con la fotografía artística internacional, que -cada dos años- se lleva a cabo en Argentina, de acceso libre y gratuito. Este año realiza su 18º edición y cumple 25 años. Los primeros 10 años se realizaron en forma anual; cumplido este período y dado su crecimiento pasó a ser una bienal, convirtiéndose en el Festival de Fotografía más importante de Latinoamérica.

Este año participan 45 ciudades: Ciudad de Buenos Aires; Almirante Brown, Avellaneda, Bahía Blanca, Cariló, Chivilcoy, Haedo, Junín, La Plata, Lanus, Mar del Plata, Martínez, Merlo, Necochea, Pilar, Pinamar, San Fernando, Tandil, Tigre, Tres de Febrero, Vicente López (Buenos Aires); San Fernando del Valle de Catamarca; Comodoro Rivadavia, Puerto Madryn, Trelew (Chubut); Córdoba, Villa María (Córdoba); Paraná (Entre Ríos); San Salvador de Jujuy, Ledesma (Jujuy); La Rioja; Santa Rosa (La Pampa); Mendoza; Posadas (Misiones); Neuquén, San Martín de los Andes (Neuquén); Gral Roca (Río Negro); Salta; San Juan; San Luis; Río Gallegos (Santa Cruz); Santa Fé, Rafaela (Santa Fe); Ushuaia (Tierra del Fuego); San Miguel de Tucumán (Tucumán) y Salamanca, España.

Cronopios: ANTOLOGÍA FOTOGRÁFICA, 1967-2007. Humberto Rivas, Argentina – España
 Rivas tuvo dos temas principales en su trabajo, el retrato y el paisaje. En toda su obra retrató tanto escenarios urbanos como lugares apartados, interiores y objetos. Las obras poseen una especial textura lumínica condensada en profusión de matices de grises y negros. Los espacios, ya sea exteriores o puertas adentro, aparecen depurados de todo dato anecdótico y no cuentan con presencia humana alguna. Rivas entiende el retrato como una pugna entre el fotógrafo y el modelo, en la que el artista debe, a como dé lugar, captar su personalidad interior, venciendo por medios técnicos y expresivos, la imagen convencional del retratado. Cierre 28 de septiembre.
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Sala J: MÖBIUS. Luis Gonzalez Palma
 El fotógrafo pretende crear obras ambiguas e indeterminadas, abiertas a nuevos argumentos y posibilidades que permitan un diálogo inédito entre la pintura abstracta con claras referencias al concretismo y neoconcretismo latinoamericano y a fotografías de su autoría: retratos cargados de emoción, intensidad subjetiva y fuerte carácter lírico. El fin de esta experiencia creativa es crear nuevos sentidos y asociaciones visuales que prefiguren nuevas sensibilidades que aporten una relectura de la historia visual de las ideas desde este lado del mundo, desde su historia y sus contradicciones. Cierre 28 de septiembre.
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Sala C: ASILO DE LOS PÁJAROS. Roger Ballen
 Su trabajo como geólogo lo llevo a recorrer los más inhóspitos rincones de ese país, y fue en esos viajes que comenzó a explorar y retratar con su cámara la vida en los pequeños pueblos sudafricanos. A partir de 1994 su fotografía dejo de centrarse en esos lugares lejanos para pasar a trabajar más cerca de su hogar en Johanesburgo. En los últimos treinta años su particular estilo de trabajo ha evolucionado hacia un simple formato cuadrado en un austero, pero cautivante, blanco y negro. Cierre 28 de septiembre.
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Sala 1: MIS HORIZONTES. Horacio Di Nunzio, Argentina
 La mirada fotográfica de “mis horizontes” da una sensación de libertad, facilita la introspección, recorrer distancias imaginarias y soñar despierto. En palabras del artista: Durante su contemplación, puedo imaginar la llegada de nuevos acontecimientos, nuevos caminos de la vida, fantasías, metas o deseos del futuro. Brindan un enorme placer estético. Estimulan la evolución, el crecimiento y la paz. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 2: TODO SERÁ OLVIDADO. Frank Rodick, Canadá
 La muestra está compuesta por siete de fotografías intervenidas de la madre del fotógrafo y tres de cuando él era pequeño. Esta muestra autoreferencial o performática da cuenta de los años de enfermedad de su madre, el deterioro del cuerpo, de su mente y de la historia misma ya que ella guarda apenas un grado de separación con la Shoa, el Holocausto perpetrado durante la Segunda Guerra Mundial. Ella albergó ese horror en una parte muy oscura de su interior y, con una determinación más implacable que deliberada, se aseguró que esa pesadilla respirase y murmurara dentro mío también, concluye el fotógrafo. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 4: AUSENCIA DE SUJETO. August Sander y Michael Somoroff, Alemania – EUA
 La exposición “Ausencia de Sujeto” es un ejemplo perfecto del delicado equilibrio entre la alquimia y la investigación. En sentido conceptual y humanístico, cada una de las imágenes de Somoroff demuestra el poder persuasivo y la estética de la obra de Sander incluso cuando falta el sujeto humano. Es un tipo de fotografía al que no estamos acostumbrados, más relacionada con la idea de creatividad. En las imágenes confluyen casualidad y aprobación. Lo que Somoroff celebra es establecer que el arte postmoderno no está dislocado, sino que es algo con raíces, tradición y continuidad. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 5: EN EL UMBRAL DELOLVIDO. Samuel Shats, Chile
 El proyecto consiste en un trabajo fotográfico autoral basado en retratos actuales de sobrevivientes del Holocausto que viven en la actualidad en Chile. Ellos, que eran niños o jóvenes en esa época, hoy tienen entre 85 y 100 años, por lo que quedan pocas oportunidades de conocer sus vidas y aprender a través de ellas…pues estamos en el umbral del olvido. Esta exposición reflexiona sobre la tolerancia, la memoria y la vejez, además de mostrar la fuerza del espíritu humano que permite construir nuevos horizontes aún en las peores condiciones imaginables. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 6: COLECCION ITAÚ FOTOGRAFIA BRASILERA, Brasil
 Esta muestra presenta una selección de la Colección Itaú Cultural de Fotografía Brasileña, con obras de los últimos 60 años de la producción fotográfica de carácter experimental. Trabajos realizados a partir de finales de los años 1940, en el ámbito de los clubes de fotografía íconos del modernismo tardío de la fotografía brasileña, se exponen al lado de imágenes hechas por artistas contemporáneos. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 8: ANNA & EVE. Viktoria Sorochinski, Ucrania – Canadá
 Detrás de sus escenas elaboradas, el trabajo de Viktoria Sorochinski revelas las preocupaciones de una generación que se enfrenta a una sociedad en crisis que está atravesando una profunda transformación. Temas como el exilio y la nostalgia, y la angustiosa búsqueda de la identidad no están eclipsados por la estética de las imágenes. Viktoria retrata el mundo de fantasía de Eve y su compleja e intensa relación con su madre en escenas impecablemente montadas y llenas de una inquietante magia. Al igual que en “Alicia en el País de las Maravillas” es la pequeña Eve la que parece llevar las cuerdas que sostienen a la relación con Anna, y su propia historia, en equilibrio. Cierre 21 de agosto.
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Sala 9: 119 Cristian Kirby, Chile
 119 es un proyecto fotográfico acerca de la detención y desaparición de personas durante la dictadura militar en Chile. El trabajo está referido al caso conocido como “Operación Colombo” o “Lista de los 119”; violación a los derechos humanos mediante la que se pretendía ocultar la detención y desaparición de ciudadanos, al mismo tiempo que se informaba que sus muertes habían sido producto de rencillas internas.
 El proyecto se plantea desde el reconocimiento de estos hechos a partir de una trama que subyace y se inscribe en la topografía de la ciudad. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 10: TREES. Myoung Ho Lee, Corea del Sur
 Myoung Ho Lee fotografía árboles solitarios enmarcados contra un fondo de lona blanca en medio de paisajes naturales. La serie incluye diversas especies de árboles fotografiados con una cámara de 4×5 en distintas estaciones y en diferentes momentos del día. El Sr. Lee permite que el entorno natural de los árboles llene el cuadro alrededor de la lona, transformando el escenario en parte del tema. Centrado en las composiciones gráficas, el lienzo define la forma del árbol y lo separa del ambiente. Mediante la creación de un estudio temporal al aire libre para cada árbol, los “retratos” de árboles del Sr. Lee juegan con las ideas de escala y percepción a la vez que hacen referencia la pintura tradicional y a la historia de la fotografía. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 11: BRICS. Marcus Lyon
 La muestra es un recorrido de fotografías de grandes urbes pertenecientes a las megaciudades de las potencias emergentes, testigos de la transición de la población rural a un nuevo ejército de residentes urbanos y la migración del poder de las viejas economías del norte y oeste hacia la nueva del este y el sur. Estas megaciudades, y los procesos necesarios para alimentarlas, son a la vez un salvador para millones de personas desesperadamente pobres, los motores del crecimiento de la economía global y potenciales dueños de nuestra destrucción: son el factor de cambio más importante en la reducción global de la pobreza e innovación, pero también centros insaciables de consumo y desperdicio. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 12: LOS NIÑOS ADORNADOS. Mads Ljungdahl, Dinamarca
 Los niños adornados ocupa un lugar muy especial dentro de la variada obra del fotógrafo danés Mads Ljungdahl por su formato híbrido entre dibujo y fotografía y la importancia de su elemento narrativo. Este trabajo es presentado en una serie de cuadros con estilo teatral representando historias y misterios sobre los seres humanos privilegiados pero sin constituir un relato cronológico sino un poema gráfico que puede disparar ideas, ambientes y reflexiones. Algunas imágenes sugieren caminos de lectura en cada una de esas escenas cuasi teatrales, pasando de la comedia a lo grotesco, de lo majestuoso a lo apocalíptico y siempre sembrando cuestionamientos morales. Los cuadros también pueden ser experimentados como relatos paralelos e individuales, en los que el sujeto fluye como un río entre las imágenes y a los que se puede observar detenidamente para atravesar sus diferentes capas. Cierre 21 de septiembre.
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Sala 13: DESCUBRIMIENTOS. Alejandro Almaraz, Calé y María Plotnikova, Argentina – Brasil – Rusia
 Tres fotógrafos seleccionados: el argentino Alejandro Almaraz, el brasilero Calé y la rusa María Plotnikova. Cada uno de ellos, con una propuesta estética y un uso del medio fotográfico muy diferente. La exploración en el campo de la imagen y las nuevas tecnologías es el escenario en el que se desenvuelve Alejandro Almaraz. En su proyecto Lugares donde nunca estuve recrea la imagen de esos sitios -tradicionalmente muy visitados por el turismo- superponiendo una enorme cantidad de imágenes de cada uno de ellos que baja de Internet. Calé desarrolló su ensayo con personajes retratados delante de diferentes espacios urbanos. Los personajes, que se ven con un aspecto entre onírico y fantasmal, le dan nombre al ensayo: Buscadores. Fotografiados fuera de foco, iluminados con flash de manera excesiva, surgen como siluetas de contornos difusos, excesivamente iluminadas y contrastan con la nitidez y el tono normal del entorno ciudadano que los rodea. María Plotnikova desarrolló un ensayo con el que registró su propia preparación para una carrera de formato olímpico en la que soñaba participar: la Maratón, su primer trabajo sobre un aspecto poco transitado habitualmente, el de la intimidad de la preparación previa. Cierre 21 de septiembre.
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Historieta: DECONSTRUYENDO MUROS. Ines Miguens, Argentina
 La muestra consiste en una instalación de grandes dimensiones donde el espacio está representado por un recorrido flexible, en oposición a la rigidez y altura de los muros. Un nuevo horizonte nos obliga a mirar lo nuevo, a movernos hacia la lejanía, a cuestionar las opciones, a transformarnos en el trayecto. Los muros constituyen fronteras aparentemente inexorables que nos confunden y nos otorga una falsa seguridad. Habla de nuestros propios límites. Estos se deslizan, se despliegan como realidades que nos paralizan, nos nublan y perdemos la perspectiva de nuestro camino. “La deconstrucción no es sinónimo de destrucción. Nos referimos a interrogar los supuestos que lo conforman para dar una nueva perspectiva” Jacques Derrida. Cierre 21 de septiembre.
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Prometeus: VIDA EN EL CUBÍCULO. Chun Wai, China
 Este trabajo retrata la vida de las clases bajas de Hong Kong, miles de personas que no tienen más alternativa que pasar sus días en cubículos de tres a cuatro metros cuadrados de superficie y sin ventanas, lo que impide la circulación del aire volviendo al ambiente sofocante. En verano estos cuartos son insoportablemente calurosos y se infestan de chinches y otros insectos haciendo que las condiciones de vida sean inhumanas. Cierre 21 de septiembre.
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Microespacio: EXISTIR. Andrea Fioressi, Argentina
 Esta obra nace de mi profunda admiración por el paisaje. Lugares que inevitablemente me transportan a la contemplación, a la meditación, sentirme Ser. Desde allí parte este viaje en el que siento unificarme con el Todo, un Todo que se infiltra hasta mi alma. Desenfoques, movimientos, la forma aparece; una sensación llega y habla sola, elude una realidad y nace otra. María Andrea Fioressi. Cierre 21 de septiembre.
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Hall central alto: CONVOCATORIA 25-25
 En el 25 aniversario de los Encuentros Abiertos – Festival de la Luz, la Fundación Luz Austral e Itaú Cultural invitaron a participar de la Convocatoria 25/25 una convocatoria para jóvenes latinoamericanos menores de 25. Se seleccionaron 138 obras que componen esta muestra/celebración. Cierre 21 de septiembre.
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Espacio central 1: I REMEMBER. Liu Xiaofang, China
 Esos son mis trabajos sobre la memoria de la infancia. Aunque todos tenemos nuestros propios recuerdos de la infancia, estos pueden ser retorcidos y poco realistas. En esta serie, el engaño de la memoria se ha convertido surrealista. Una niña de vestido blanco y una bufanda roja mezclada con la bomba atómica, un misil, una nube, todo aparece en el cuadro; ella parece carente de emoción, sus sentimientos se funden en un estado de ensueño. A través de la fotografía, la ilusión se ha convertido en real, mientras que las imágenes conservan el espíritu místico y color simbólico de tales sueños. Cierre 21 de septiembre.
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Espacio central 2: PRESENCIA. Liliana Molero, Uruguay
 ¿Será posible ver más allá de lo fotografiado?, ¿Será posible puedan unas imágenes traernos unas preguntas lejanas?, ¿Cuánto es posible trascender en una imagen lo visual para arribar al campo de la referencia a lo no visual? A una esencia, que no es visual. ¿Y cuánto es posible partiendo de una visualidad concreta, hablar de una realidad inmaterial completamente otra? En un lugar que es borde de la civilización, miro y registro la presencia de seres con que compartimos un espacio de todos y de nadie, y huellas de nuestro propio estar. Estas fotografías fueron tomadas en Barra de Valizas, departamento de Rocha, Uruguay. Un pueblo de pescadores y gente de campo, de unas 400 personas a 270 Km de la capital. Cierre 21 de septiembre.
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Espacio central 3: SIMPLY A LINE. Vesselina Nikolaeva, Bulgaria
 La muestra consiste en una serie de fotografías de la frontera entre Bulgaria y Turquía desde la perspectiva de una fotógrafa búlgara. A nivel psicológico, la memoria colectiva de la presencia turca se ha pasado de generación en generación, junto con la desconfianza y el odio contra nuestros vecinos del sur. La frustración general fue socialmente aceptada antes de la caída del comunismo. Ahora es políticamente incorrecto, aunque sigue latente en la mente de la mayoría de los Búlgaros. El partido comunista utilizaba este conflicto en su propaganda, donde la frontera de sur incluía dentro del campo de batalla al cristianismo contra el islam, el bien y el mal, nosotros y el enemigo sostiene Nikolaeva. Cierre 21 de septiembre.
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Inaugura 12 de agosto a las 18 h